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Aulos-Spieler

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Besuch des Archäologischen Nationalmuseums von Athen

Der bronzene Artemision Jockey, 140 v.

Das Archäologische Nationalmuseum von Athen kann mühelos behaupten, eines der größten Museen der Welt zu sein. Es kann das, weil es buchstäblich mit den meisten der berühmtesten Kunstobjekte des antiken Griechenlands vollgestopft ist, so dass ein erster Besuch hier ein seltsam vertrautes Erlebnis ist. Vom hoch aufragenden bronzenen Poseidon bis zur schimmernden goldenen Maske von Agamemnon bieten die hier ausgestellten Antiquitäten die wichtigsten Bilder des antiken Griechenlands, die Reiseführer, Kalender und die Schaufenster von Reisebüros auf der ganzen Welt schmücken. Viele dieser Werke mögen bekannt sein, aber der Wow-Faktor ist sicherlich nicht geringer. Wenn man durch das Museum schlendert, hat man den ständigen Drang, seine Schritte zurückzuverfolgen, um noch einen Blick auf ein atemberaubendes Stück zu werfen, bevor man weitergeht. Da alles in chronologischer Reihenfolge angeordnet ist, gibt Ihnen Ihr Museumsrundgang einen perfekten Einblick in die Entwicklung der griechischen Kunst und es gibt sogar einen ägyptischen Abschnitt als zusätzlichen Bonus, wenn Ihre Sinne nicht bereits von allem im Erdgeschoss umgehauen wurden .

Die bronzene Antikythera-Jugend c. 340 v.

Das Museum liegt nur 10 Gehminuten von der U-Bahn-Station Omonia entfernt und ist selbst eine beeindruckende Anspielung auf die klassische Architektur und steht unter Denkmalschutz. Vier massive Statuen griechischer Götter blicken vom Dach auf Sie herab, als ob Sie es wagen würden, in den ersten Minuten Ihres Besuchs nicht ehrfürchtig zu sein. Hat man seine Eintrittskarte, die großen Taschen in der Garderobe (obligatorisch) beseitigt und die kostenlose Karte abgeholt, wird einem sofort die grinsende Maske von Agamemnon präsentiert, bevor man überhaupt durch die erste Türöffnung gelangt ist. Lassen Sie sich hier jedoch nicht von all dem aufblitzenden Gold anziehen, sondern machen Sie einen Schritt in den Raum zu Ihrer unmittelbaren Rechten, denn hier sind die Artefakte von den Kykladen, die bei Ihrer Odyssee durch die griechische Welt an erster Stelle stehen sollten. Zu beachten sind die markanten minimalistischen Marmorfiguren, insbesondere die beiden Musikfiguren, eine Harfe spielend und eine Aulos (Pfeife), die frühesten bekannten Darstellungen aus der griechischen Welt.

Sobald Sie mit den Kykladen fertig sind, finden Sie sich wieder dort zurück, wo Sie angefangen haben und zu dieser berühmten Maske. Nachdem Sie es um den ersten Schrank geschafft haben, werden Sie von einer erstaunlichen Auswahl an mykenischem Gold präsentiert. Links, rechts und in der Mitte schimmern Vitrinen voller Masken, Schmuck, Waffen und Tassen im Scheinwerferlicht des Museums. Dann, wenn Sie sich endlich losreißen und weiterziehen, werden Ihnen links, rechts und in der Mitte noch mehr Schränke präsentiert, überall blitzt Gold in allen erdenklichen Formen von Rosette bis Oktopus. Gerade jetzt denkst du, du hast dein Geld schon wert und wie kann das Museum diese Pracht noch toppen?

Eine Innenansicht des Nationalen Archäologischen Museums in Athen.

Dann biegen Sie um eine Ecke und werden mit einer massiven steinernen Kouros-Statue präsentiert – ein weiterer Wow-Moment. Die so präsentierte männliche Figur war der Beginn des erfolgreichen Versuchs der griechischen Kunst, die Konventionen der ägyptischen Statuenfiguren zu durchbrechen. Die Arme sind an den Seiten steif und bringen eine Spannung in den Oberkörper, aber das linke Bein tritt leicht nach vorne, was auf eine eingefangene Bewegung hindeutet. Während Sie durch diesen Abschnitt gehen, werden die Figuren immer lebensechter und dynamischer, da griechische Bildhauer immer kühner wurden in ihren Bemühungen, die geschmeidige Bewegung des menschlichen Muskels in Stein zu übertragen. Das Beste kommt jedoch noch und der erste Hinweis ist die zwei Meter hohe Bronzestatue von Poseidon (oder vielleicht Zeus), die in der Nähe von Artemision aus dem Meer gerettet wurde. Mit ausgestreckten Armen und gespreizten Beinen scheint er einen Dreizack oder Blitz abfeuern zu wollen und dominiert den Blick den Flur hinunter.

Bronze war das Material der Wahl für griechische Bildhauer und zwei weitere herausragende Beispiele sind die Antikythera-Jugend (ein weiterer Fund aus dem Meer) und der Kinderjockey, der auf einem massiven Pferd reitet, das in vollem Galopp gefangen wird, so sehr, dass es kurz vor dem Abheben steht von seinem Sockel zu jeder Sekunde. Unter all diesen Starstücken befinden sich andere, ebenso schöne Marmorstatuen griechischer Götter und Helden und eine der größten Sammlungen von Begräbnisskulpturen überhaupt. Wie in jedem Raum sind alle Stücke gut präsentiert und jedes hat eine kleine Infotafel in Griechisch und Englisch. In seinem eigenen Raum und frei von Glas oder Barrieren kann der Besucher diese 2.500 Jahre alten Stücke sicherlich hautnah erleben. Die Skulptur setzt sich durch die hellenistische und in die römische Zeit mit einigen sehr bekannten römischen Kaisern fort, am bekanntesten ist die Bronzestatue eines jugendlichen Augustus.

Das Zimmer des Diadoumenos.

Dies ist der Moment, in dem wahrscheinlich die meisten Besucher ein wenig Kunstmüdigkeit verspüren, so dass sich eine Pause in der Kaffeebar im Untergeschoss lohnen könnte, wo Sie auch leichte Snacks kaufen können. Es gibt auch einen kleinen Innenhof, in dem Sie einen griechischen Kaffee trinken können, während Sie zwischen antiken Skulpturen sitzen, die nicht als oberste Schublade gelten, um es in das eigentliche Museum zu schaffen. Es lohnt sich jedoch, weiterzumachen, da das Museum eine erstaunliche Töpferabteilung hat. Beim Kauf Ihres Tickets haben Sie wahrscheinlich einen Blick auf die riesige geometrische Vase aus dem Dipylon zu Ihrer Linken geworfen und jetzt ist es an der Zeit, genauer hinzuschauen. Für Bestattungszwecke verwendet sieht man auf Augenhöhe schwarze Strichmännchen in Trauer und Begräbnis eines eigenen. Die Amphore ist vielleicht das berühmteste Beispiel für geometrisches Keramikdesign und ein weiteres Starstück, für das jeder Museumskurator der Welt seine Mutter verkaufen würde. Dann gibt es Fall um Fall hinterfiguriger Keramik in allen Formen und Größen, von Miniatur-Votivgefäßen bis hin zu riesigen Kratern, die zum Mischen von Wein und Wasser verwendet werden. Als nächstes kommt die rotfigurige Keramik und diese beiden Stile sind eine der wichtigsten Informationsquellen über griechische Kulturpraktiken und Mythologie.

Das Café im Nationalmuseum, Athen

Drei weitere Abschnitte, die man gesehen haben muss, sind die über Thera, Ägypten und die Stathatos-Sammlung. Die erste, aus der Bronzezeit auf Santorin, hat das superberühmte Fresko der Boxerjungen und drei Seiten eines Raumes, in dem das Fresko Szenen des Frühlings zeigt Vulkan auf der Insel. Die ägyptische Abteilung ist verständlicherweise bescheidener als der Rest des Museums, aber es gibt immer noch genug Sarkophage, Amulette, Schmuckstücke, Rekonstruktionsmodelle und sogar ein oder zwei Mumien, um von Interesse zu sein. Schließlich verfügt die Sammlung Stathatos über fast tausend Exponate und ist besonders auf Schmuck, darunter Beispiele aus der byzantinischen Zeit, ausgerichtet.

Nachdem Sie all diese Wunder gesehen haben, haben Sie vielleicht Lust auf ein eigenes Andenken und der Museumsladen neben dem Café bietet einen guten Bestand an griechisch inspiriertem Schmuck, musealen Kopien von Skulpturen und Reliefs für jeden Geldbeutel (Sie können sogar kaufen lebensgroße Bronzestatuen, obwohl ganz so, wie man dieses eine Zuhause bekommt, nachgebaute Münzen, Poster, Tassen und all die anderen Dinge, die jeder als Souvenir haben möchte. Es gibt eine kleine Sammlung von Büchern zu verschiedenen Aspekten der alten Griechen (darunter viele für Kinder) und sogar einige Führer zu anderen Stätten wie Dodona und Delphi, meist auf Englisch oder Griechisch.

Zusammenfassend also, selbst wenn Sie viele der großen griechischen Stätten wie den Parthenon, Knossos und Mykene besucht haben, können Sie dieses Museum nicht verpassen, um ein vollständiges Bild der alten Griechen zu erhalten. Es ist wirklich eine Peinlichkeit des Reichtums und man hat ein wenig Mitleid mit einigen der anderen griechischen Städte, die diese Schätze verloren haben. Es ist eines dieser Museen, die man unbedingt zweimal besuchen sollte, einmal mit Kamera und einmal ohne oder nur, damit man beim zweiten Besuch jedes Mal, wenn man eine weltberühmte Kunst sieht, die Aufregung ein wenig besser im Zaum halten kann Objekt um die nächste Ecke. Wie oben erwähnt, können Sie der Kunst nahe kommen, aber der Nachteil ist, dass große Reisegruppen die Zimmer leicht verstopfen können, so dass es am besten ist, früh morgens oder spät am Tag oder noch besser außerhalb der Saison zu gehen man bekommt so ziemlich ganze Räume für sich alleine. Ein wunderbares, wunderbares Museum.


Neue Ansätze

Die Situation hat sich weitgehend geändert, weil in den letzten Jahren einige sehr gut erhaltene Auloi von erfahrenen Technikern wie Robin Howell und Forschern des European Music Archaeology Project rekonstruiert wurden. Sie werden von hochqualifizierten Dudelsackspielern wie Barnaby Brown und Callum Armstrong gespielt und bieten einen treuen Leitfaden für den Tonumfang der alten Musik sowie für die eigenen Tonhöhen, Klangfarben und Stimmungen der Instrumente.

Von zentraler Bedeutung für das antike Lied waren seine Rhythmen, und die Rhythmen der antiken griechischen Musik können abgeleitet werden von die Meter der Poesie. Diese basierten streng auf der Dauer von Wortsilben, die Muster aus langen und kurzen Elementen bilden. Während es für alte Lieder keine Tempoangaben gibt, ist oft klar, ob ein Metrum schnell oder langsam gesungen werden sollte (bis zur Erfindung der mechanischen Chronometer war das Tempo ohnehin nicht festgelegt und musste zwischen den Aufführungen variieren). Das Einstellen eines geeigneten Tempos ist unerlässlich, wenn die Musik richtig klingen soll.

Was ist mit den Melodien – der Melodie und Harmonie? Das meinen die meisten Leute, wenn sie behaupten, die altgriechische „Musik“ sei verloren gegangen. Tausende von Wörtern über die Theorie der Melodie und Harmonie sind in den Schriften antiker Autoren wie Platon, Aristoteles, Aristoxenus, Ptolemäus und Aristides Quintilianus überliefert, und einige fragmentarische Partituren mit alter Musiknotation kamen erstmals im späten 16. Jahrhundert in Florenz ans Licht . Aber dieser Beweis für tatsächliche Musik vermittelte kein wirkliches Gefühl für den melodischen und harmonischen Reichtum, von dem wir aus literarischen Quellen erfahren.

Seit 1581 sind mit Unterbrechungen weitere Dokumente mit antiker Notation auf Papyrus oder Stein ans Licht gekommen, von denen heute etwa 60 Fragmente existieren. Sorgfältig zusammengestellt, transkribiert und interpretiert von Gelehrten wie Martin West und Egert Pöhlmann , sie geben uns eine bessere Chance zu verstehen, wie die Musik klang.


Entwicklungen im Mittelalter

Die westliche Gesellschaft im Mittelalter erlebte Krisen, die zu entscheidenden Veränderungen in Musik und Musikinstrumenten führten. Mit Ausnahme der Schienbein, das war das römische Äquivalent des Aulos, zeigte Rom wenig Interesse an griechischen Instrumenten und bevorzugte die kräftigeren Blechbläser, die bei so spektakulären Veranstaltungen wie denen im Kolosseum zu hören waren. So löste sich die griechische Musik auf, und ihre Instrumente zerstreuten sich aufs Land. Die Invasionen wandernder Stämme begannen 150 n. Chr., gipfelten im Fall Roms im Jahr 476 n. Chr. und dauerten lange über dieses Datum hinaus. Mit dem Niedergang der griechischen und römischen Kultur haben die wandernden Völker vielleicht ihre eigene Musik etabliert, aber sie brachten nur wenige Musikinstrumente mit. Die Christen, die nach der Bekehrung des Kaisers Konstantin (312 n. Chr.) das Römische Reich beherrschten, hatten wenig Vorliebe für die Musikinstrumente früherer Verfolgungen. Volksinstrumente blieben natürlich erhalten und Dokumente wie der Utrechter Psalter (C. 830 Universitätsbibliothek, Utrecht, Niederlande) enthalten Zeichnungen, die Instrumente zeigen, aber es gibt nur wenige Hinweise auf eine blühende Musikkultur. Die großen Zentren des Lernens im Allgemeinen sowie die Pflege der Musik und des Instrumentalspiels verblieben im Nahen Osten.

Die bedeutendste Bewegung, die die Geschichte der mittelalterlichen Musikinstrumente beeinflusste, war die Ausbreitung des Islam im 7. Die Christen begannen im 9. und 10. Jahrhundert, die Muslime in Spanien, Sizilien und Sardinien zurückzudrängen. Neben diesem offensichtlichsten Kontakt brachten die Handelsrouten kontinuierlich muslimische Produkte in die europäischen Städte des östlichen Handels, insbesondere Venedig, Genua und Pisa, und vom späten 11. bis zum frühen 13. Jahrhundert führten die Kreuzzüge Christen in muslimische Heimatländer , wo sie weiter nahöstliche Ideen und Bräuche absorbierten. Schließlich gab es eine langsamere, weniger dramatische Route über den Balkan und nach Norden, auf der Musikinstrumente aus dem Nahen Osten oder Byzanz in die Länder Nordeuropas und weiter westwärts nach Island abdrifteten. Nach dem 12. Jahrhundert knüpfte der Islam Verbindungen in andere Richtungen, als er sich in die Türkei und in Teile Afrikas südlich der Sahara, Zentralasien und China ausbreitete. Im 14. Jahrhundert hatte die Religion die malaiische Halbinsel und Indonesien erreicht.

In der spanischen Handschrift des aus dem 13. Cantigas de Santa MaríaIlluminationen zeigen Muslime in ihren eigenen Kostümen, die ihre Instrumente spielen, neben Christen, die eng verwandte Exemplare spielen. Hätte der Westen nicht begonnen, seine eigene Tradition zu entwickeln, hätte sich die westliche Musik heute vielleicht nicht wesentlich von der des Nahen Ostens unterschieden. Stattdessen hat der Westen die Instrumente modifiziert und auf besondere Weise weiterentwickelt. Die östliche Melodie und der Bordun, kombiniert mit dem Rhythmus, wurden durch die Zeit und tatsächlich bis heute in einem Großteil der westlichen Volksmusik beibehalten. Die Entwicklung der Polyphonie (mehrstimmige Musik) erzwang Veränderungen bei vielen Musikinstrumenten. Da alle Gesangsstimmen den gleichen allgemeinen Tonumfang abdecken, musste jedes Instrument eine charakteristische Farbe und Durchdringungskraft besitzen, um seinen musikalischen Teil abzugrenzen.

Unter den früheren Instrumenten blieb das Tierhorn erhalten, das oft verziert und sogar mit Löchern versehen war, um die Erzeugung von Melodien zu ermöglichen, aber es hinterließ kaum Beweise dafür, dass es zur kultivierten Musik beigetragen hat. Die Trompete wurde Mitte des 14. Jahrhunderts in Form eines sehr flachen S auf sich selbst zurückgebogen, was das Halten und Tragen erleichtert. Die eigentümliche Sprache der Trompete beschränkte sie meist auf Fanfaren und Signale, wurde aber nur gelegentlich mit anderen Blasinstrumenten verbunden.

Wie bei der Trompete erschienen auch andere bedeutende Holzblasinstrumente des Mittelalters erst in der Gotik. Die Vertikalflöte, einfach und doppelt, stammte aus dem Nahen Osten und ist heute noch auf dem Balkan zu finden. Die Pfeife und das Tabor (Trommel) – ein Paar von Instrumenten, die gleichzeitig von einem einzigen Musiker gespielt werden – bestehen noch immer in den baskischen Regionen Spaniens und Frankreichs. Zu schmal, um den Grundton zu erklingen, benötigt die kurze Pfeife der Combo nur zwei Grifflöcher und ein Daumenloch, um ihre Tonleiter zu vervollständigen, und kann daher mit der linken Hand allein gespielt werden, wodurch die rechte Hand frei wird, um den Tabor zu schlagen und die Beine zu verlassen frei zu tanzen. Die Querflöte wanderte im Spätmittelalter aus dem Byzantinischen Reich nach Deutschland. Während der Minnesingerzeit des 12. und 13. Jahrhunderts mit der Geige in Verbindung gebracht, wurde sie in Form der Pfeife mit der Trommel und der Militärmusik verbunden.

Eine Volksklarinette, oft doppelt, verwendete ein Kuhhorn als Glocke und gelegentlich ein zweites Kuhhorn, um eine Windkammer um das Rohr zu bilden. Das Instrument ist in England als Hornpipe bekannt und wird unter verschiedenen anderen Namen von Wales über den Mittelmeerraum bis nach Indien genannt. Es kann auch erscheinen, wenn das Schilf in einer Kalebasse eingeschlossen ist (Behälter oder Pungi of India) oder in einer Schafsblase (Blasenrohr).

Der Dudelsack war in Rom bekannt (lateinisch Utriculus) bis zum 1. Jahrhundert n. Chr. . Die Tasche wurde ursprünglich aus der gesamten Haut eines Schafes oder einer Ziege geformt, wobei die Pfeife, die Pfeife mit Grifflöchern, am Hals in einen Holzschaft eingepasst war. Wenn Drohnen vorhanden sind, entstehen sie aus Beständen in den Vorderbeinen. Ein Blasrohr ist erforderlich, um den Beutel mit Luft zu füllen, und ein Arm über dem Beutel sorgt für Druck, um die Rohre zu aktivieren. Der Chanter hat sieben Löcher vorne und ein Daumenloch hinten.

Die pneumatische Orgel erschien um das 2. Jahrhundert n. Chr. als portative Variante, dh als Orgel, die klein genug ist, um getragen zu werden. Diese Orgeln bestanden aus einer oder mehreren Reihen von Rauchrohren, die von einer Tastatur gesteuert wurden. Um die Portabilität zu erleichtern, enthielten die üblichen zwei Oktaven nur die wesentlichen chromatischen Noten. Ab der Gotik fanden sich Portatives häufig sowohl in Bildern von Prozessionen als auch in sitzenden Ensembles. Die Darstellungen zeigen den Spieler, der mit der linken Hand einen Blasebalg bedient, während er mit dem zweiten und dritten Finger der rechten Hand die Tasten manipuliert. Verschiedene Referenzen zeigen das Vorhandensein von Orgeln in vielen Größen im gesamten Mittelalter. Im 10. Jahrhundert hatte die nicht tragbare Positiv-Orgel ihre herausragende Karriere als früheste Form der Kirchenorgel begonnen.


Älteste Instrumente

Die ältesten bis heute bekannten Musikinstrumente sind alle Arten von Flöten wie die Aulos oder die Tibia (Doppelflöte). Es gibt viele Beispiele für diese Instrumente, die in der antiken Kunst und Keramik im gesamten Mittelmeerraum verwendet werden. Vergleichen Sie die Flöten unserer Vergangenheit mit denen der Gegenwart Beachten Sie, dass die Grundform und das Design immer noch gleich sind?

Viele von uns kennen Bilder von alten Göttern, die eine Leier halten. Obwohl die Leier der Harfe sehr ähnlich sieht, ist sie kein direkter Nachkomme der Leier. Stattdessen sind ihre Geschichten ziemlich verwoben.

Eine Kylix, die den Gott Apollo darstellt, der ein Trankopfer ausgießt und eine frühe Version der Leier (Chelys) hält, die aus dem Panzer einer Schildkröte besteht. Der Vogel kann die Krähe darstellen, die die Hochzeit der Nymphe Aigle-Korone, der Tochter von König Phlegyas, ankündigte. Provenienz: Delphi, 480-470 v. Chr., Künstler unbekannt. Archäologisches Museum Delphi. Foto © Dennis Jarvis Dumbrills Diagramm der frühesten Entwicklung der Leier, entnommen aus A Breif History of the Lyre. Foto © Michael Levy

Es scheint, dass die Leier eine Weiterentwicklung einer noch älteren Harfe sein könnte. Harfenillustrationen wurden in Felsritzungen in Megiddo, im nordwestlichen Tal von Jesreel im alten Israel, gefunden. Sie stammen von c. 3300 v. Chr. – 3000 v. Chr.. Dann, um nur ein wenig Verwirrung zu stiften, waren die allerersten Leiern harfengroß und wurden in Ur entdeckt. Sie stammen aus c. 2600 v. Chr., was bedeutet, dass sie vor dem Bau der Pyramiden in Ägypten liegen. Laut Professor Richard Dumbrill, einem der weltweit führenden Experten auf dem Gebiet der mesopotamischen Archäomusikologie, haben sich die Leier und die Harfe wahrscheinlich aus dem mesolithischen Musikbogen entwickelt.

Diese Leiern wurden im Grab von Königin Pu-Abi in der „Großen Todesgrube“ gefunden, einem der Gräber auf dem Königlichen Friedhof von Ur. Aus Ur, Südmesopotamien, Irak. Frühdynastische Periode, 2600-2400 v. Das Britische Museum, London. Foto © Osama Shukir Muhammed Amin

Hier sind einige Bilder von alten und modernen Harfen. Beachten Sie erneut die Ähnlichkeiten in Form und Design, die auf ein gemeinsames Erbe hinweisen.


Sonstig

Hydraulis: Das mit Sicherheit komplizierteste der alten Instrumente war das Hydraulis, eine mit Wasser und Luft betriebene Orgel, die im Wesentlichen eine mechanisch geblasene Syrinx war. Ctesibius von Alexandria (285-222 v. Chr.) wird mit der Erfindung des Hydraulis beglaubigt.

Die Mechanik und das Wasser des Instruments wurden in einem großen altalartigen Sockel gehalten und die Pfeifen standen vertikal über der Oberseite in einer horizontalen Linie. Die Hydraulis hatten einen kraftvollen Klang, wie der Dichter Claudian aus dem 4. Es erwies sich in Rom als sehr beliebt, insbesondere in der Arena, und diente neben den Trompeten unter anderem als Begleitung zu Gladiatorenkämpfen. Es gab große Unterschiede in der Größe von tragbar bis extrem groß. Vitruv gibt eine detaillierte Beschreibung des Hydraulis (De Arch.X.7) sowohl in seiner Konstruktion als auch in seiner Verwendung, obwohl er am Ende seiner Beschreibung zugibt, dass der Versuch, über ein solches Gerät zu schreiben, schwierig ist und es am besten gesehen und erfahren wird für sich selbst, um es am besten zu verstehen.

Sistra: Von den Ägyptern entlehnt und hauptsächlich für religiöse Zwecke verwendet, war die Sistra eine Rassel, bei der zwei Saiten mit geräuscherzeugenden Metallbändern an einem "Torpfosten" -Rahmen befestigt waren. Um seinen Klang zu erzeugen, konnte er entweder einfach geschüttelt oder mit einem Stab geschlagen werden. Kleoptra VII. verwendete während der Schlacht von Actium (31 v.

Rom verwendete in seinem täglichen und religiösen Leben auch eine Vielzahl anderer Instrumente, von denen viele noch heute weit verbreitet sind: Scabellum, die im Grunde Klöppel waren, Rasseln, Glocken, Tamburine und eine Vielzahl von Trommeln, die zum Halten des Rhythmus und letztere auch für die Jagd.


Die Aulos

Ein Aulos war ein antikes griechisches Blasinstrument, das oft in der Kunst dargestellt und auch von der Archäologie bezeugt wurde. Sie können hier einige Aulete (Aulos-Spieler) hören: Cristian Gentilini, Conrad Steinmann, Barnaby Brown, Dr. Stefan Hagel

Ephor. ap. Plb. 4.20.5f. = FGrH 70 F 8 berichtet, dass die Spartaner schon vor langer Zeit statt der Trompete (Salpinx) die Aulos eingeführt hatten (anderswo war die Trompete zu Xenophons Zeiten in der Armee recht beliebt, vgl. z. B. X, An. 7.4.16). [. ] Später meint Polyaenus (1.10), dass das Marschieren zum Klang der Aulos von den Herakliden erfunden wurde und dass das Fehlen von Aulos-Spielern zur Niederlage bei Leuktra führte (was offenbart, wie charakteristisch für Sparta die Aulos von der späteren idealisierenden Tradition angesehen wurden).

Michael Lipka, Xenophons Spartan Constitution (Berlin/New York: de Gruyter, 2002) - S. 22


Aulos Player - Geschichte

Salvete Omnes! Nach den Emmys an diesem Wochenende, bei denen Schauspieler und Schauspielerinnen geehrt und verwöhnt wurden, werden wir uns das Leben der Schauspieler im antiken Rom ansehen und wie anders es für sie war.

Römisches Mosaik mit Schauspielern und einem Aulos-Spieler (Haus des tragischen Dichters, Pompeji) (Mit freundlicher Genehmigung von Wikimedia Commons)

Antike römische Stücke wurden fast immer während Ludi (“games”) aufgeführt. Weil die alten Römer keine Wochenenden für Erholungszeiten oder lustige Spiele und Feste hatten, boten sich ihnen die Möglichkeit, sich zu entspannen und Feste, einschließlich der Theaterkunst, zu genießen. Schauspieler führten Tragödien und Komödien für die Menge zusammen mit Musik im Hintergrund auf und schufen so eine lebendige und spannende Szene.

Aus dem Projekt Gutenbergs Young Folks History of Rome von Charlotte Mary-Yonge (1880), “Actors”. (Mit freundlicher Genehmigung von Wikimedia Commons)

Anstatt jedoch Schauspieler zu ehren und zu respektieren, wie es die Griechen getan hatten, hatten die Römer eine ganz andere Meinung über den Schauspielerberuf. Es mag schwer vorstellbar sein, wie die römische Gesellschaft, die für ihre Nachsicht und Extravaganz berüchtigt ist, einen einzigen Beruf als moralisch unappetitlich empfinden würde. Schauspieler galten in der römischen Gesellschaft als einen niedrigeren, gefährlichen Status und wurden oft gemieden.

Marmorkopf eines jungen Tiberius. Italien, 4 n. Chr. – 14. (Mit freundlicher Genehmigung von Wikimedia Commons)

Ironischerweise drängte Kaiser Tiberius, definitiv kein Mann, der für seine keusche Natur bekannt war, einst die High Society und die Schauspieler, Interaktionen zu vermeiden. Julian der Abtrünnige würde später heidnischen Priestern den Besuch des Theaters verbieten, damit das Theater und die Schauspieler aufgrund ihrer Anwesenheit keine Statuserhöhung erhielten.

Edward Armitage – Julian der Abtrünnige, Vorsitzender einer Konferenz sektiererischer – 1875. Mit freundlicher Genehmigung von Wikimedia Commons.

Schauspieler wurden oft in den Beruf hineingeboren, wie es in der römischen Gesellschaft üblich war, in der Kinder normalerweise den Beruf ihrer Eltern übernahmen. Der Beruf war jedoch sehr interessant. Schauspieler, die wahrscheinlich zu ihrem schlechten Ruf beigetragen haben, hatten die Erlaubnis, sich auf der Bühne sehr schlecht zu benehmen und sogar Politik zu verspotten.

Wenn Sie mit der Geschichte des Theaters in Europa vertraut sind, kommen Ihnen diese Trends und Muster bekannt vor. Ein weiterer Trend war die Vermeidung, Frauen in Theaterstücken zu besetzen. In der frühen Republik arbeiteten Frauen nicht als Schauspielerinnen. Mit der Zeit betraten jedoch Frauen die Bühne. Eine Schauspielerin, Acte, gewann sogar die Gunst des Kaisers Nero und wurde zu einer seiner Lieblingskonkubinen, was beweist, dass der Platz von Schauspielern und Schauspielerinnen in der Gesellschaft seltsam unbeständig war.

Trotz all dieser Überlegungen zum antiken römischen Schauspieler gab es in Rom im Allgemeinen keine ständigen Theater, in denen Schauspieler bis 55 v. u. Z. auftraten. Dies lag daran, dass es eine weit verbreitete Meinung war, dass zu viel Zeit im Theater dem Charakter der Bevölkerung schadet.

Bevor es feste Theater gab, gab es nur wenige Voraussetzungen für eine Aufführung: einen Platz für das Publikum zum Sitzen oder Stehen (cavea) und einen Platz für die Schauspieler (scaena). Die Bühne bestand aus einer Kulisse (scaenae frons) und einem Schauspielraum vor der Kulisse (Proscaenium).

Hier ist ein praktisches Bild, das jeden Teil bei seiner Wiedereingliederung in die permanenten Kinos kennzeichnet!

Römisches Theater in Bosra, Syrien. Beschreibung verschiedener Teile.
1) Scaenae frons 2) Columnatio 3) Proscaenium 4) Pulpitum 5) Orchestra 6) Cavea 7) Aditus maximus 8) Vomitoria 9) Praecinctio 10) Tribunal
11) Basilika.
(Mit freundlicher Genehmigung von Wikimedia Commons)

Schauspieler benutzten oft Tempel als Bühne. Die hohen Stufen des Tempels würden dem Publikum als Stühle dienen und ihnen die gleiche Gelegenheit geben, das Stück zu sehen.

Bühne des antiken römischen Theaters von Palmura, Syrien. (Mit freundlicher Genehmigung von Wikimedia Commons)

Als die Republik jedoch neue und verschiedene Formen von Theatern und Amphitheatern wuchs, die die wachsende Vielfalt von Entertainern zeigten, die als Teil der Schauspiel- und Theatergruppen galten:

  • Es gab typisch römische Theater, die für Bühnenstücke konzipiert waren, die später so standardisiert wurden, dass Vitruv bemerkte, dass die Sitze, genannt Gradus, nicht kürzer als 20 Zoll oder höher als 22 Zoll sein sollten.
  • Die Amphitheater wurden für die größeren Spektakel und Shows von Gladiatoren und Wildtieren entworfen
  • Die Zirkusse (circi) wie der berühmte Circus Maximus, der viel größer gebaut wurde und für Wagenrennen ausgelegt ist
  • Die Naumachiae, wo Arenen für Seeschlachten ausgetragen werden
  • Die Stadien waren Bereiche in Form von Circi, um das Rennen von Männern und Pferden zu inszenieren. (Wir könnten die moderne Verwendung von “stadium” erkennen)
  • Die Xysti waren wie Säulengänge gebaute Orte, an denen die Ringer trainierten
  • Das Odeon war ein kleines römisches Theater, das oft überdacht war und für kleinere Unterhaltungsorte wie Dichterlesungen, Debatten oder Vorträge verwendet wurde.

Unterhaltung und Schauspiel wurden im antiken Rom verehrt, aber die Darsteller dieser unterhaltsamen Kunststücke wurden von der höheren Gesellschaft oft herabgesetzt oder als moralisch unrein empfunden. Interessanterweise ist dies ein Denkmuster, das sich in Europa über Jahrhunderte fortsetzte und es kann sogar Spuren dieser Gefühle in der heutigen Gesellschaft geben. Für einen Historiker ist es immer interessant zu sehen, wie die Vergangenheit die Zukunft widerspiegelt.

“Roman Theatre”, Timothy J. Moore, Cambridge University Press, 3. Mai 2012.

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Partitur für Chor in Tonhöhe für Louvre aulos
Abschnitt 1: Spondeionsskala. Abschnitt 2: chromatische Gattung, modulierender Stil. Abschnitt 3: diatonische Gattung. Melodie 82% antike Notation, 18% Rekonstruktion von Stefan Hagel

Wir versuchen nicht, definitive Texte oder Performances zu produzieren. Bitte behandeln Sie die obigen Partiturenentwürfe als Mitglieder sich entwickelnder Familien „unbestimmter“ Aufführungsmaterialien, die Teil einer reichen ökologischen Ausgangsbasis für neue Musik und für die Doppelpfeifenausbildung sind. Die Ensemble-Arrangements, die wir am kommenden Wochenende in Tarquinia kreieren werden, werden auf die individuellen Spielfähigkeiten jedes Einzelnen zugeschnitten und vereinen eine herrliche Mischung aus Doppelrohren.

Mit 20 Teilnehmern, meist Anfänger, sind wir nicht im Geschäft mit wissenschaftlicher Rekonstruktion: Unser Musizieren wird jedem individuellen Niveau und all den verschiedenen Doppelrohren, die wir haben, gerecht. Das bedeutet, historische Epochen zu vermischen. Wir werden kleine Ensembles bilden, die von der temperamentvollen Stimmung der Pfeifen bestimmt werden, die wir spielen wollen. Das Prinzip besteht darin, einfache Übungen zu komponieren, die gut klingen und uns sanft in Richtung besserer Spieler dehnen. Es kommt einfach vor, dass einige dieser Übungen in eine abschließende Aufführung integriert werden: Dies dient als Anregung zum Üben und bietet ein ganzheitliches Lernerlebnis, das alle Aspekte des Doublepiper-Seins berührt.

Wo alten Beweisen widersprochen wird, werden wir dies deutlich machen und begründen. Zum Beispiel habe ich den Athenaios-Gesang um eine kleine Terz nach unten transponiert, um sie dem Louvre aulos anzupassen. Ich glaube nicht, dass es 128/7 v. Chr. in dieser Tonlage aufgeführt wurde oder dass der Louvre Aulos die richtige Art von Aulos ist. Wir verwenden diese Tonhöhe auf der Euterpe 2018, weil: 1) wir keine Instrumente in der Originaltonhöhe haben, 2) es allen Teilnehmern das Singen erleichtert (nicht zu hoch oder zu tief) und 3) dieses Stück aktiv aufführt, ohne körperliche Anstrengung macht uns empfänglicher für altgriechische Musikkonzepte und Redewendungen – wir können einen fremden Stil besser verinnerlichen, wenn wir weniger gestresst sind. Das Athenaios ist die beste Einführung in die antike griechische Musik, die wir haben, lasst es uns genießen!

Alle Partituren verwenden aus folgenden Gründen die klingende Tonhöhe anstelle der transponierenden Tonhöhe, die bisher in wissenschaftlichen Materialien verwendet wird:

  1. Einfache Zusammenarbeit mit anderen Musikern (insbesondere Sängern) – ich sehe keinen Sinn darin, Partituren für Singstimme und Aulos vorzubereiten, in denen die Gesangsstimme in einer anderen Tonart als die Aulosstimme ist. Dies würde die Sänger daran hindern, die Harmonie zu lesen, was sowohl für die Tonhöhe als auch für die Stimmung hilfreich ist.
  2. Erleichtern Sie die Zusammenarbeit mit Komponisten und Wissenschaftlern, die Sie fragen, welche Noten Sie spielen können. Wie Waldhornisten wissen, neigen Komponisten dazu, Instrumente beim Transponieren falsch zu machen, selbst wenn die Lehrbücher klar und zahlreich sind (was bei Doppelrohren nicht der Fall ist). Die Umsetzung bringt Gefahren mit sich, die eine erhebliche Zeitverschwendung durch Fehler und Missverständnisse bedeuten.
  3. Einfaches Erstellen von Partituren – wenn eine Graviersoftware eine Stimme transponiert, verlieren Sie die manuelle Formatierung. Dies kann stundenlange Arbeit bedeuten, damit der Abstand gut aussieht. Auch wenn der Transponieren-Knopf die Dinge nicht schief geworfen hat, bedeutet die Produktion von zwei Partituren (eine in Konzerttonhöhe für den Sänger/Regisseur und eine transponierte für den Aulos-Spieler mit transponierten Cues) deutlich mehr Arbeit. Das ist Geld- und Zeitverschwendung.
  4. Wenn sich alle Doppelpfeifen wie der Louvre verhalten würden, aber in anderen Tonarten, dann könnte man das Aulos als transponierendes Instrument behandeln. Aber sie tun es nicht. Griechische und römische Funde erstrecken sich über einen Zeitraum von 700 Jahren und unterscheiden sich deutlich in ihrem Klangverhalten. Manchmal sind die Pfeifen einen Ton auseinander, manchmal eine Quarte, manchmal unisono. Ohne einen festen Standard bietet die Transposition der modernen Aulete keinen praktischen Vorteil, wie sie es für den Klarinettisten tut oder für den antiken Aulete, der Instrumente aus einer einzigen Zeit und an einem Ort spielte, getan hätte.

Rather than making life difficult for our colleagues – singers, lyre players and composers – I think it is wiser for the doublepipe community to learn to read at pitch. The only slight exception I make to this is in scores for the Pydna/Poseidonia aulos: these instruments behave almost identically and sound only a semitone apart, so I split the difference and write at a pitch in between. Depending on reeds, the Poseidonia sounds about a quarter tone higher, the Pydna a quarter tone lower than written.

With the Athenaios, note that we are doing Stefan’s version, not Armand’s – there are major differences in the melody and in the pronunciation. Stefan’s view is that the pronunciation would have been old-fashioned, which makes life easier for us as we can use the same pronunciation rules in all three songs: Pindar, Euripides and Athenaios.


Modern use

The sounds of the aulos are being digitally recreated by the Ancient Instruments Sound/Timbre Reconstruction Application (ASTRA) project which uses physical modeling synthesis to simulate the aulos sounds. Due to the complexity of this process the ASTRA project uses grid computing to model sounds on hundreds of computers throughout Europe simultaneously.

The aulos is part of the Lost Sounds Orchestra, alongside other ancient instruments which ASTRA have recreated the sounds of, including the epigonion, the salpinx, the barbiton and the syrinx.


Schau das Video: Vladimir Cauchemar u0026 6IX9INE Aulos Reloaded WSHH Exclusive - Official Music Video (Januar 2022).